Fotografia Pintando Un Encuentro Que Cuestiona

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Algunas frases célebres sobre arte, artistas, dibujo, escultura, fotografía y pintura. Arte-Carla . “Si la inspiración no viene a mí salgo a su encuentro, a la mitad del camino. “Lo que le digo a un artista es 'Cuando no puedes pintar – pinta. Comparativamente con la ya conocida frase «yo no busco, encuentro», Pablo . a cuestionar cuál debía ser la práctica de la pintura en ese momento, de modo que .. La intención de Richter no es pintar una fotografía, como muchos de sus . Por muy maravilloso que sea el formato RAW en fotografía, no siempre es la mejor opción. La peor foto no es aquella en la que ha habido un error de . no encuentro un programa gratis para procesar y entonces las hago en JPG, .. el asunto de que los alumnos tomaran fotos para después pintar en.

Os pondré un ejemplo. Yo vivo en el barrio de Mas Sauró, en las afueras de Barcelona. Desde la ventana de mi habitación, veo un camino de tierra que atraviesa el bosque zigzageando cuesta arriba, hasta llegar al pueblo de Vallvidrera.

Cada mañana desde hace unas semanas, fotografia pintando un encuentro que cuestiona hombre sube por allí caminando. Hasta aquí todo normal. Porque él, paso a paso, sin prisas y mirando al frente, sube por el camino de espaldas. No conozco el motivo, ni le encuentro una explicación lógica, pero me fascina.

Y me encantaría fotografiar esta rutina tan peculiar No encuentro la manera de plasmar en una imagen que el señor camina de espaldas. Como decía, y aunque duela, hay cosas que no se pueden fotografiar. En su escaparate se amontonaban decenas de objetos viejos.

De entre todos ellos, me llamó la atención una fotografía. Era una imagen en blanco y negro, de unos 20x30cm, montada sobre un cartón. Ambas sostenían una muñeca en la mano, y vestían el mismo pijama a rayas. Al poco rato llegó un coche y aparcó sobre la acera, justo enfrente de la tienda. Dentro había una pareja de mediana edad que no parecía tener intenciones de salir.

Estaba en lo cierto. El hombre se presentó con el nombre de Cris. Tendría unos fotografia pintando un encuentro que cuestiona años, de mediana estatura y considerable barriga. A pesar de su avanzada calvicie, lucía dos grandes patillas blancas tan pobladas como sus cejas, que coronaban unos pequeños ojos claros de mirada curiosa y afable.

Sus labios finos subrayaban una gran nariz roja y contrastaban con el cuello bastante ancho y una papada considerable. Todo en él revelaba el fotografia pintando un encuentro que cuestiona del tiempo y parecía especialmente vestido para mimetizarse con aquella tienda: camisa blanca con el cuello desgastado bajo un jersey de lana visiblemente manchado, y una vieja americana negra, dos o tres tallas demasiado grande… Pasamos un rato charlando hasta que le pregunté sobre la fotografía del escaparate.

Al parecer, había fallecido recientemente a la edad de 90 años, y él se había quedado un lote con muchas de sus fotos y negativos. Le pregunté si las podía ver, y desapareció por una escalera en su busca. Mientras esperaba, mi cabeza empezó a divagar. Tal vez les estaba preguntando qué edad tenían, de allí que una de ellas abriese la mano para contestar "5".

Sea lo que fuera, tenía toda la pinta de ser una foto tomada en familia. Sin darme tiempo a contestar, me pasó una típica bolsa de fotógrafo. Y poco a poco, cargado a partes iguales de curiosidad y de respeto, empecé a repasar aquella colección privada.

El lote se componía principalmente de fotografías realizadas a la fotografia pintando un encuentro que cuestiona supuse había sido su esposa, algunos familares o amigos, uno que otro viaje y sus correspondientes paisajes. Cartier Bresson dijo que las series habían matado la fotografía… Sin llegar a ese extremo y entendiendo de quién viene dicha afirmación, pienso que de vez en cuando, volver a disparar por el placer de disparar, evitando demasiadas expectativas y confiando en tus impulsos, es tremendamente liberador.

Y aunque soy de aquellos a quienes les gusta trabajar a partir de un tema, en una dirección concreta, acotando fondo y forma, y siguiendo un objetivo predefinido, a veces temo caer en la trampa de la excesiva intelectualización y perder cierto grado de espontaneidad Su trabajo se centró principalmente en documentar la vida rural de su país natal.

No obstante, Jonsson llevó el documentalismo social imperante en la época a otro nivel… y aquí es cuando a mi entender, se convirtió en un pionero: entre ycreó 25 fotolibros, la mayoría de ellos autopublicados, donde combinaba dichas fotografías con textos propios. Fotografia pintando un encuentro que cuestiona desgracia, dichos libros se publicaron en ediciones muy limitadas, no se han llegado a traducir al inglés, y no existen reediciones.

Fue en Wer-Haus, un nuevo espacio multidisciplinar que combina café con tienda de ropa, y sala de exposición con venta de libros de fotografía por cierto, con una excelente selección. Mientras esperaba a que empezase la charla, me acerqué a una mesa donde habían varios ejemplares del libro protagonista, con la intención de echarle un vistazo. Por aquel entonces me llamó la atención la delicadeza, respeto, y sensibilidad con la que había conseguido documentar la vida de sus abuelos en su pequeño piso del Raval barcelonés.

Mi abuela también fue un pilar emocional de mi infancia, por lo que alguien que respeta a los ancianos, me inspira mucha confianza. Al ver aquella silla vacía esperando a la abuela de Salva, decidí no mirar su libro.

La presentación fue breve. Salva estaba nervioso y no conseguía acabar casi ninguna frase. Me pareció exactamente como me lo había imaginado: sensible, tímido y honesto. Y actuó como contrapunto perfecto de Salva. Se mostró elocuente, seguro de si mismo y orgulloso de su trabajo.

Pero esta es una historia que merece un capítulo aparte y os la contaré otro día Hoy he madrugado para cumplir con el esperado ritual: lentamente, en silencio y con la tenue luz de una sola bombilla. Una, dos, tres, cuatro veces No podía dejar de mirar y admirar esta preciosidad. Pero al aparente final feliz, le siguen una serie de fotografías de las olas del mar yendo y viniendo sin fin, impresas en un papel brillante, a modo de epílogo casi onírico. Salva ha hecho un trabajo totalmente emocional, de una belleza y una sensibilidad exquisitas.

Hacía tiempo que no disfrutaba tanto leyendo un fotolibro. Un verdadero placer para los sentidos. Supongo que lo que nos enseñan de niños, deja en nosotros huellas muy profundas Encontré esta virgen hace unos días, escondida en el armario de una casa rural.

Encendí una pequeña vela a sus pies y no puede resistirme a retratarla. La exposición fue de 20 segundos, y una extraña idea me vino a la mente: es lo que se tarda en recitar un "Ave María".

Fue interesante compartir esos momentos de conversación, que nos desvelaron aspectos de sus respectivas personalidades y de su relación, así como curiosidades sobre la grabación del disco. Kings of Convenience live Apolo, Barcelona.

A través de la pintura, despojaba a la gente de su apariencia y trascendía sus rasgos, desvelando aspectos íntimos de su ser. Verse en uno de sus cuadros es sentirse como Dorian Gray: una cierta verdad se revela inevitablemente ante ti. Su nombre era Gabriela Deganis. Fue uno de aquellos creadores anónimos que le dedican su vida al arte en silencio, sin aplausos al final de cada función. Y es que nunca se preocupó en mostrar su obra, en exponer o en darse a conocer.

Entendía la pintura como una terapia, como una forma de meditación y un camino de autoconocimiento. Su obra, figurativa y repleta de simbolismos, destila una mezcla inclasificable de sus dos pintores favoritos: Vermeer, el gran retratista y maestro de la luz, y Palazuelo, con su abstracción espiritual. Incluso cuando la enfermedad ya no le permitía apenas moverse, ella seguía encontrando fuerzas para sentarse frente al lienzo y pintar, y pintar Fotografia pintando un encuentro que cuestiona por una curiosidad insaciable, Gabriela era la eterna alumna.

Cuando descubría un territorio nuevo por explorar, se lanzaba con la pasión de un niño hasta convertirse en una auténtica experta.

Un universo a menudo incompatible con las leyes de nuestra sociedad, en donde le costaba mucho encajar: era discreta en un mundo exhibicionista, generosa en un mundo egoísta y espiritual en un mundo materialista. Original de Buenos Aires, no tenía parientes en Barcelona, por lo que sus amigos éramos su familia.

Gabriela fue una gran maestra, y consiguió enfrentarme con muchos de mis miedos. Consciente de sus zonas oscuras, no se avergonzaba de sus contradicciones y trabajaba intensamente para trascender su ego y acercarse al amor. Tenía apenas 49 años pero sabía que el final se estaba acercando, lo habíamos hablado unas semanas antes. Se fue en paz, un precioso día de otoño.

Frases célebres

La encontré sentada en su cocina, con el sol inundando la casa, rodeada de sus queridos gatitos y liberada al fin de su cuerpo fotografia pintando un encuentro que cuestiona Descansa querida Gabriela, siempre te recordaremos. Me importan muy poco los logros profesionales o el nivel de popularidad de un artista.

Lo valoro ante todo por su calidad humana y luego, a bastante distancia, por su talento. Y hoy quiero hablaros de tres de esas personas. Pero empecemos por el principio. Desde tengo un proyecto musical llamado The Pinker Tones. A mi me encanta escribir letras, así que normalmente Salva escoge una o dos canciones, y yo me encargo de las cinco o seis restantes.

Su creación contenía pues dos grandes retos, dos canciones muy delicadas de escribir por los temas que tocan Salva escogió empezar a escribir la canción que habla de Alex, un niño con síndrome de Down, y yo me quedé con la canción acerca de Muna, una niña refugiada de la guerra en Siria.

Todo ello, con el fin de escribir la letra de una canción que debía explicar la historia de Muna, una niña de Damasco cuya vida se transforma poco a poco a causa de la guerra, hasta verse obligada a abandonar su ciudad natal y refugiarse en Londres. Enseguida decidí explicar la historia desde el punto de vista de la propia Muna, por lo que el fotografia pintando un encuentro que cuestiona consistía en intentar meterme en su piel, para luego explicarles a los niños algo tan complejo y terrible como es una guerra.

Pero volvamos a aquellos días. Fue un trabajo de escritura intenso, uno de esos procesos creativos que te secuestran durante semanas, te roban el sueño y hacen temblar tus cimientos emocionales. Enseguida tuvimos claro que la versión definitiva del tema tenía que ser austera, sónicamente hablando, así que decidimos dejarlo en tan solo dos instrumentos: un piano acompañando a la voz y un celo dialogando con ella.

Ni guitarras, ni percusiones, ni sección de cuerdas, ni siquiera coros Siempre que necesitamos una buena interpretación de piano, él es el encargado. La versión definitiva tenía que cantarla una mujer, interpretando en primera persona a la pequeña Muna. Había que encontrar a alguien capaz de llenar de emoción cada escena, cada verso, cada palabra De hecho, aquella voz había estado presente desde que empecé a escribir la letra de la canción.

Tenía que ser ella: Silvia Pérez Cruz. Así que llamé a Julio y él nos puso en contacto. Es difícil expresar con palabras lo que allí sucedió. Y es que justamente, las palabras desaparecieron para transformarse en pura emoción. Daba igual lo que aquella mujer estaba cantando porque su interpretación trascendía el significado de cada verso y nos conmovía profundamente.

Junto a ella jugamos al escondite por las calles del zoco. Junto a ella pisamos alfombras y olimos especies. Junto a ella escuchamos las historias del viejo Abbas. Junto a ella vimos como cerraban la escuela. Junto a ella empezamos a oír explosiones y nos abrazamos a su madre. Junto a ella pasamos hambre y junto a ella abandonamos la ciudad en busca de un futuro mejor. Y finalmente, lloramos junto a ella, que era Silvia y que era Muna, pero que eran también los millones de refugiados y desplazados que siguen dejando tras de si las malditas guerras en este mundo.

Silvia tiene un don. Algo muy difícil de encontrar. Su voz trasciende las palabras, los idiomas y las fronteras porque va directa al corazón.

Escucharla cantar fue una experiencia inolvidable. Y no sé con cual de las tres versiones que grabó me quedaría. Como dijo ella, fue como cantar tres canciones distintas. Cada idioma tiene una sonoridad propia y contiene toda la identidad y todo el bagaje histórico de su cultura. Por eso cada uno pide una interpretación muy distinta. Así que cada versión acabó teniendo también su propia personalidad, su propio encanto.

Tras aquella sobredosis emocional, ya solo nos quedaba grabar el celo. Así que decidimos no darle demasiadas directrices. He de reconocer que hace ya casi un año, mientras escribía aquella letra, nunca imaginé que llegaría a convertirse en algo tan especial Ahora le toca emprender su propio viaje hacia vuestros hogares y espero que hasta vuestros corazones.

Silvia, Juzz y Jon, gracias por vuestra humanidad, por vuestro talento y sobretodo, por este regalo. Una suave brisa acaricia las ramas de una familia compuesta por tres chopos, cuyas hojas chocan entre sí.

Dos niños y una niña se tiran al agua de una piscina cercana, como bombas de inocencia salpicando alegría con cada nuevo salto. Las golondrinas han vuelto al nido dónde nacieron el año pasado, para crear una nueva familia. Entran y salen de nuestro porche a toda velocidad, sorteando habilmente las ramas de un cercis y de dos ciruelos, mientras emiten un sonido agudo y persistente que alerta de la cercanía de dos urracas que amenazan con robar sus huevos. Una alarma se dispara durante unos segundos y la puerta de un coche se cierra.

En alguna casa lejana, llora un bebé. Alguien estornuda tres veces seguidas. Un perro ladra al oler a una familia de jabalíes que beben agua ruidosamente en la pequeña riera que circula frente a su casa, desaguando el pantano de Vallvidrera.

Allí, decenas de ranas "reineta" se quejan del calor y un grillo les replica con su arítmico cri-cri. Cantan al unísono, dos jilgueros y un pinzón. A mi vecina andaluza se le dispara el volumen de la radio y por un momento, Justo Molinero trata de venderme una paletilla de jamón ibérico. Un avión dibuja su trayectoria en el cielo, en dirección al aeropuerto del Prat de Barcelona. Dos gatos en celo se pelean para proteger su territorio mientras varias palomas jóvenes practican su lenguaje gutural.

Un taladro perfora una pared que solo ven sus dueños. Un gallo despistado reivindica su fotografia pintando un encuentro que cuestiona papel de despertador, mientras una corte de gallinas descaradas cacarean a su alrededor. Alguien inicia un ataque de tos que parece no tener fin. Las piedras de la pista forestal que sube hacia el pueblo de Vallvidrera, crepitan bajo las ruedas de un viejo 4x4.

Y sigue el ataque de tos. Ha llegado un furgón cargado de melones, sandías, melocotones, patatas y tomates, hasta la puerta de su casa. Salga y compruebe la calidad que traemos.

Un canario enajaulado canta siempre la misma melodía. El cartero llama a una campanita aguda que desafía los timbres eléctricos en la puerta de mi casa. Trae una carta certificada. Me alegra haberlo oído. La campana grave de Vil-la Joana repica de nuevo, una sola vez.

Mi fotografia pintando un encuentro que cuestiona mayor me reclama. Supongo que tiene que ver con una tendencia inevitable hacia la nostalgia, o con mi obsesión por el paso del tiempo, y con la idea de que en la naturaleza nada es inamovible, nada es para siempre, todo cambia sin cesar en esta gran metamorfosis eterna que es el baile fotografia pintando un encuentro que cuestiona de la vida.

Me explico. De entrada no soy nada mitómano. Siempre me ha parecido que el trabajo de cualquier gran autor se compone de unas pocas obras maestras, y de un montón de trabajo de fondo en busca de esos escasos y tan deseados momentos en los que todos los elementos se conjugan para acercarnos a algo sublime, a la Belleza. Y como en el blog de "Tener-Cultura" trata de reivindicar u homenajear a grandes fotógrafos, he escogido una imagen muy significativa y en esa dirección.

De entrada tuve la sensación de que no conseguía abarcarlo. Es decir, de que entendía solo una pequeña porción de lo que pretendía transmitir. Poco a poco, fui descubriendo en él nuevas capas, hasta convertirlo en uno de mis referentes personales.

Y de hecho, no he dejado de volver a él una y otra vez en todos estos años, descubriendo siempre nuevos detalles, nuevos matices y nuevas interpretaciones, en función de mi propio momento vital. Hay libros que te afectan profundamente, no solo porque marcan un momento de tu vida, sino porque se convierten para siempre en compañeros de viaje. Y este ha sido sin duda uno de ellos. Y con este libro, quiero recordar a tantos y tantos amigos, artistas, científicos, médicos etc.

Bajaba unas escaleritas de la calle Mallorca, hacia una cueva donde el tiempo se congelaba en busca de todos aquellos autores fotografia pintando un encuentro que cuestiona mencionados por mis profesores.

Allí conocí a Koudelka, a Winogrand o a Diane Arbus entre tantos otros. De vez en cuando, cuando conseguía acumular las propinas suficientes con mi trabajo de repartidor de pizzas a domicilio, me compraba uno de aquellos libros tan deseados y lo atesoraba en casa, como prueba inequívoca de una pasión que no paraba de crecer Y toda esta polémica entorno al World Press Photo me parece totalmente anacrónica.

Partiendo de que dicha división es ya de por si absurda. Y fotografia pintando un encuentro que cuestiona es la esencia de la creación. Y normalmente, sin la presencia del fotógrafo no hay fotografía.

Y es que ésta solo existe a partir de un punto de vista, y no como concepto objetivo.

Pintando con Luz - Kika Nieto

Y esto me parece tremendamente bello y enriquecedor. Todos somos diferentes y vemos el mundo desde nuestro prisma particular. Pues no.

Hay tantas verdades como personas, o dicho de otra manera, todo es mentira. The importance of viewing in artistic behaviour: historical identity and visual perception. Facultad de Bellas Artes, Universidad de Barcelona porsal yahoo. Para ello proponemos un acercamiento al concepto percepción visual a través de un recorrido histórico que abarca desde el s. XIX hasta la actualidad, en base a la revisión de textos que nos aproximan a la obra de E.

Manet, G. Braque, C. Music, W. Hockney y G. Dicho recorrido refleja cómo una forma de ver ha dado lugar a características que marcan no solamente una manera determinada de hacer, sino también una manera peculiar de actuar por parte del artista, a la vez que provocan en el espectador una actitud distinta, en función de las coordenadas espacio-temporales referidas. Palabras clave: ver, observador, espectador, espacio representacional, imagen, percepción visual.

This supposes that the observer has a criteria for interpretation that is usually absent. The aim of this paper is to share reading patterns that, even though have emerged from an analysis of tradition, provide references to think about contemporary art, specially from two points of view: the first, the way we understand pictorial representations, and secondly, the attitude an artist holds towards it. We will approach the visual perception concept through a historical journey from the XIX century to our present.

Our study portrays how perception has given place to characteristics that do not only belong to a particular way of behavior, but also to a peculiar form of acting by the artist which produce in the observer a different attitude in terms of the space-time references.

Keywords: viewing, observer, representational space, image, visual perception. Preguntarnos por cómo vemos significa también reflexionar sobre nuestra experiencia y nuestras propias ideas.

Fotografia pintando un encuentro que cuestiona en parte nuestros sentidos sería una forma de cerrarnos las puertas al mundo fotografia pintando un encuentro que cuestiona. Nuestro objetivo es obtener elementos de lectura que nos hablen de lo que vemos, tanto desde un punto de vista técnico como desde el comportamiento artístico que hizo posible la realización de una determinada obra de arte. A principios del siglo XIX emerge un tipo de observador distinto que da lugar a unas condiciones que provocan el nacimiento de un nuevo tipo de lenguaje artístico.

Fotografia pintando un encuentro que cuestiona nueva corriente impresionista se proclamaba en contra del arte académico, provocando la salida de los pintores desde sus talleres al aire libre y el estudio de las leyes de composición de la luz, en el marco de los nuevos avances técnicos, especialmente los referidos a la óptica. En efecto, se dejan a un lado las ideas preconcebidas para interrogar directamente a la imagen. Por un lado, la percepción que del tren tiene la niña, la cual invita al espectador a situarse también dentro de la escena del cuadro, y, por otro, la imposibilidad de ver.

Dichos aspectos también se pueden observar en el cuadro Boulevard des Capucines de Claude Monet. El ferrocarril, Édouard Manet La obra de Manet El ferrocarril muestra la dificultad de mirar fotografia pintando un encuentro que cuestiona través de, a la vez que abre con ello un intercambio entre lo que ocurre en el cuadro y la mirada del espectador.

La diicultad de poder ver con claridad es el tema central de la obra, imposibilidad que inyecta la necesaria tensión y transiere tal vez frustración al observador, quien se siente obligado a adoptar la actitud de la niña.

El cuadro impresionista se puede considerar entonces como fruto de la recepción subjetiva de la realidad Stoichita, Émile Zola dice al respecto, en su ensayo L'ecran de Estos cambios corresponden a la naturaleza de la pantalla.

No se tiene la creación exacta y real, sino la creación modiicada por el medio a través del cual pasa la imagen. Vemos la creación en una obra a través de fotografia pintando un encuentro que cuestiona hombre, un temperamento, una personalidad. La noción de transparencia velada es muy expresiva en este texto. Para estudiar el mundo exterior sólo con-iaban en sus sensaciones, con lo cual la subjetividad fotografia pintando un encuentro que cuestiona a convertirse en medio de conocimiento y la espontaneidad en característica que parecía sinónimo de veracidad.

La relexión sobre aquello que se ve es convertida en tema y nos permite hablar de te-matización de la mirada moderna. Se pone in a los códigos miméticos de representación y se descubre la fotografía, la cual convivió evidentemente con artistas que interpretaban ese adelanto técnico por medio de unas formas enquistadas en una visión realista. Otros, no obstante, generaron un nuevo tipo de visión que dio efectos y signiicados nuevos.

Los avances en dispositivos ópticos y tecnológicos actuaron de intersección entre el campo de las humanidades y el cientíico, el arte y la ciencia formaban parte del mismo campo de juego. Si el saber permitía racionalizar a un sujeto que crecía en medio de unos valores institucionales y económicos cambiantes, posibilitaba también experimentaciones en el campo de lo visual que se traducían, al in, en representaciones que iban a cambiar la dirección del mundo del arte.

Podríamos hablar de muchos nombres que en los primeros años del siglo XX trabajan en ese marco conceptual, el cual desembocaría en la corriente que adoptó el nombre de cubismo. Metzinger y Gleizes intentaron codiicar y reglamentar ese quehacer artístico. Cézanne consideró los objetos externos como el móvil de todas las ideas, pues nada hay que no proceda de la naturaleza. La necesidad de una óptica personal lo llevó a ensimismarse con el estudio de lo real, sin proponerse nunca hacer una copia.

Ello habría sido poco menos que una necedad. Braque investiga de la realidad las formas que la componen.

Pintando con Luz - Kika Nieto

Así lo vemos en Naturaleza muerta con guitarraobra en la que recrea unos instrumentos musicales como si fueran parte de un paisaje. En fotografia pintando un encuentro que cuestiona visión, la emoción por ello suscitada es lo primero, mientras que la relexión es posterior, lo que se traduce, en este caso, en una inversión de las convenciones pictóricas, aunque con una lógica incuestionable.

Las frases anteriores nos hablan de una distancia esencial entre ambos pintores: dos temperamentos, dos formas de hacer que no deben, a pesar de ello, inducirnos a error. Su airmación acredita la autonomía artística por encima de cualquier otro esquema. El artista ha de trabajar sin límites que supongan una merma en su capacidad imaginativa y en su expresividad. Su mirada no era solamente puntual, sino que recorría la imagen, fotografia pintando un encuentro que cuestiona lugar a una interrelación espacio-temporal.

Inversión de convenciones que el cubismo emplea para profundizar en la gestación de la que iba a ser una de las corrientes que cambiaron el rumbo del arte a principios de siglo XX.

El término tiempo implícito en sus cuadros nos trae a la memoria el componente velocidad, de donde podemos pensar en la corriente cubista como una de las precursoras de la percepción visual tal y como hasta cierto punto estamos obligados a digerir hoy.

Se trata de conceptos que hoy por hoy nos ayudan a entender lo real bajo otra perspectiva. Para él se trata de una pregunta sin respuesta y que ni siquiera habría que hacer. Percibir el mundo y sus formas: todas las corrientes artísticas lo han hecho de una u otra manera, pero si una de ellas descolocó nuestra forma habitual de ver fue el surrealismo. Estudiaremos las características que nos aportan estos artistas, haciendo especial mención a la obra del pintor italiano Giorgio de Chirico.

De Chirico, al menos en su primera época, interesó de forma particular a los artistas de esa corriente. En sus escritos nos habla del especial reconocimiento prestado al órgano de la vista.

Lo que oigo no vale nada. Friederich en Entonces deja salir a la luz lo que viste en la oscuridad, para que pueda ejercer su efecto sobre los otros, del exterior al interior Rubio, Desde ese punto de vista se abre camino para dar posibilidad a la existencia de diferentes tipos de visión, incluso de aquello que es invisible, de aquello visto a través del recuerdo, de lo que otros dicen ver o reconocer, o de lo que nunca hasta entonces nadie se atrevió a mirar.

Poner en evidencia el mundo de las apariencias supone tanto para el pintor como para el espectador adaptar su visión a nuevos sistemas de relaciones y esquemas que sobrepasan el mundo racional. Aspecto que añade a la representación pictórica un valor, a la vez que se amplía su lenguaje. Las correspondencias entre lo visual y lo pictórico le otorgan a la pintura un poder de seducción y fuerza provocativa inigualables y se considera que la pintura puede transportar la mente humana lejos de la realidad, aboliendo los límites preestablecidos.

Evidentemente se estaba cuestionando lo real para entrar a conocer otras realidades no menos auténticas. A un lado quedan los aspectos formales, el interés se centra ahora en lo que se ve en el cuadro, para formular la pregunta de si es bello lo que desde allí se observa. La analogía del cuadro-ventana es original de los renacentistas, aunque en este caso la ventana albertiana nos habla en otro sentido.

Es por ese motivo que pensamos que, en el contexto que estudiamos, es interesante citar las aportaciones de Giorgio de Chirico, quien opta por una mirada que tiende a extrañarse delante de lo que ve y se detiene en cada cosa para desentrañar sus apariencias. De Chirico crítica así el academicismo y aboga por una experiencia del mundo que puede resultar incluso alienadora.

El pintor metafísico nos invita a entender fotografia pintando un encuentro que cuestiona mundo bajo dos puntos de vista, el de la mayoría y el de los individuos con capacidades clarividentes que pueden percibir espectros, sombras y apariencias. De ahí que, en su pintura, se observe cierta obsesión por despertar en el espectador una sensación de extrañeza, nostalgia, presagio o melancolía.

Una característica importante de la corriente que representa Chirico es el deseo de encontrar novedad en lo que es aprehendido por la percepción visual, lo cual constituye una propiedad sin precedentes para la denominada modernidad. Esa vinculación permite hablar de una actitud por parte del espectador que desvela la vida secreta de lo que tiene lugar en la pintura, interiorización que, como ya habíamos dicho, transforma la ventana albertiana en el sentido de desprenderse de todo aquello que atañe al mundo exterior.

Dicha transformación ha tenido lugar a lo largo del siglo XIX y principios del siglo XX, y representa el enfoque de una nueva forma de ver que ha constituido uno de los cimientos de nuestra contemporaneidad, dando paso a la posmodernidad.

De Dechau a Venecia, Zoran Music pinta años después, y desde su recuerdo, un tipo de iguración de alto potencial expresivo. En palabras de Valeriano Bozal. El recuerdo cambia y deforma cualquier imagen, hasta el punto de devenir una cosa distinta a la de origen. En su pintura la subjetividad o su recuerdo son los protagonistas. La obra camina hacia la abstracción, gracias a la distancia respecto de la realidad, que abre paso a la fragmentación y a un tipo de factura representativa, en la cual el espectador tiene un espacio propio para la interpretación.

Es como si nuestro ser y nuestro parecer entraran en cierto grado de contradicción. Porque, si bien dicho quehacer artístico no es exclusivo de este autor, sí es representativo, dadas las especiales circunstancias que vivió.

La percepción entendida no sólo desde el recuerdo, sino como aquella capacidad del ser humano que cae fuera de su propia voluntad, es uno de los planteamientos que sugiere la pintura de William de Kooning: llegar hasta el inconsciente a través de una percepción que incumbe a la totalidad de nuestro cuerpo.

Ese aspecto nos conduce a un nuevo tipo de percepción: la sinestesia, entendida como la capacidad del ser humano de percibir sensaciones a través de todos los sentidos. Si bien otros pintores antes que De Kooning, ya en los años en que emergieron las primeras vanguardias, relexionaron acerca de la sinestesia, sólo recientemente ha dejado de ser un aspecto subordinado a otros.

Por otra parte, con ello el pintor pretende aislar cualquier anécdota que pudiera distraer aquel primer contacto que el natural le había proporcionado de modo casi virgen.

Por Qué Dejé de Fotografiar en RAW (Actualizado)

Así, lejos de cualquier tipo de subordinación sensorial, sus dibujos son exagerados, a veces deformes, pero precisamente ese aspecto permite aumentar la conciencia de quien los realiza y cómo las proporciones cambiantes intensifican la gestualidad de lo representado. Los dibujos así realizados se han caliicado como iguras lotantes.

Podemos preguntarnos si es la calidad de lotar un modo de percibir las cosas. Sabemos que desde que la fotografía existe, condicionó y cambió la mirada de los pintores. La visualidad del observador después de la aparición de ella se reorganiza, deja de ser algo ijo para convertirse en móvil e incluso intercambiable, con lo cual tenemos que hablar de una nueva valoración de la experiencia visual.

No podemos obviar que emerge en la segunda mitad de siglo XX una pluralidad de medios técnicos que provoca una modiicación de la actividad del ojo y que como consecuencia genera una nueva atención visual.

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